Сколько раз менялся состав группы "Наутилус Помпилиус" - от клавишного до полностью гитарного. Но от этого сама группа не стала чем-то иным, потому что в основе творчества всегда лежали тексты поэта Ильи Кормильцева и музыка Вячеслава Бутусова, бессменного лидера.
Музыканты в коллективе подразделяются на сменных, сессионных и на тех, кто участвует в создании произведений. Более всего важен кто-то, играющий концептуальную роль. Уход из коллектива рядового музыканта, сколько бы он ни был хорош, не ставит крест на существовании ансамбля. Это неприятная ситуация, которая потребует поиска замены, репетиции с новым человеком. Но потом коллектив продолжит свою музыкальную работу в новом составе. Хотя в последнее время даже насчёт этого не парятся, когда живых музыкантов стали заменять электронными партиями.
Уход по какой-то причине фронтмена из группы, даже если он не профессионал и ни на чём не играет во время выступлений - конец группе. Фронтмен - тот, с кем вообще ассоциируется группа.
Поэтому смешно наблюдать, как демонстрируют свою значимость сменные люди.
Таким типичным сменным человеком, на мой взгляд, был клавишник Пётр Подгородецкий в группе "Машина времени". Его лёгкое творчество и лёгкое поведение не очень-то совмещались с глубоким посылом произведений главных участников. На мой взгляд он изначально был здесь человеком явно лишним (несмотря на утверждение Макаревича, что группа должна состоять из разномышленников).
Главная причина увольнения - образ жизни, выходки, отсутствие дисциплины. И сколько бы ни заявлял уволенный о том, что клавишники - настоящие профессионалы, остальные - махровая самодеятельность! Даже потом мемуары издал, где облил грязью бывших коллег. В творчестве самого Подгородецкого ничего великого точно нет. Замену ему нашли быстро.
Система образования порождает только сменных людей. Самые умельцы из них могут сыграть что угодно, но только не родить своё. Если они берутся сочинять музыку, то редко блещут оригинальностью. Раскрывать себя в творчестве - процесс близкий к духовному, но не технический. Вряд ли здесь теории помогут.
Недавно Александр Розенбаум давал в интернете мастер-класс по своей технике игры на гитаре. Уместно привести его слова: “Вот смотрите... Я всегда говорю: абсолютное попадание в печень зрителю кулаком, это когда кулак сжатый. Одновременно всё должно соответствовать: музыка, стихи, вокал, игра на инструменте и внешний облик. Вот когда эти пять пальцев в кулаке, будет нокаут хороший. Если чего-то одного не будет, будет неплохой удар, но нокаута не получится. Возьмите песню Высоцкого - споёт Козловский Иван Семёнович. Царствие ему небесное… Величайший тенор! Но там не будет ни внешности Высоцкого, ни голоса Высоцкого. Или можно вышить на гитарах там Высоцкого очень… Убрать его рвань вот эту вот иногда не очень настроенную и вышить красиво - тоже что-то пропадёт. Вот это всё должно быть. Или если бы Высоцкий был похож на Делона, например, на Алена - тоже было бы не такое доставание публики. Всё должно быть гармонично. Вот эти пять вещей должны быть в гармонии: музыка, стихи... На высокую поэзию когда пишут примитивную музыку… На высокую поэзию Мандельштама или Пастернака, и примитивная какая-нибудь музыка жуткая, но наверное это ужасно скучно (не наверное, а точно ужасно скучно!), потому что высокая поэзия требует высокой музыки изначально! А если на высокую музыку написать “ай лав ю, ай лав ю, ай нид ю, ай вонт ю” - тоже вряд ли чего будет хорошее.”
Целых пять аспектов, из которых от силы два только вам смогут поставить в учебном заведении - вокал, игра на инструменте... Но все пять можно развить, только развиваясь как личность. Если мы говорим о песенном жанре, эффект от пяти будет максимальный, даже если в отдельности что-то одно не является чем-то особенным. Пять в одном способны воздействовать сильнее, чем пять различных профессионалов в коллаборации. Потому что пять человек, это пять разных человек, и каждый будет в общее дело вкладывать что-то своё. Членам команды нужно обладать исключительным единомыслием, чтобы создавать цельные произведения. Такое возможно, но чаще всего в коллективе есть фронтмен, вокруг которого формируется команда. И этот фронтмен обладает всеми пятью качествами, которые вытекают из его личности.
Исключительное мастерство игры не нужно, чтобы производить впечатление. Допустим, голос диапазоном чуть более двух октав, не больше. Игра на инструменте на уровне среднего аккомпанемента. Стихи - собственные мысли, какие есть искренние, положенные на рифму личные проблемы, мечты, чувства. Музыка - любимые гармонии и ходы, способные выразить и дополнить то, что было словами изложено. А внешний облик самый простой и честный - ты сам, какой есть, без грима и гламура.
Такой была Янка Дягилева. Прожила недолго. Написала немного. След в отечественном андеграунде подобно взорвавшемуся болиду в атмосфере - короткий и яркий. Каждая песня пробирает до мурашек глубиной и пронзительностью. Но учиться на таком примере для профи считается почти дурным тоном. Их оттолкнёт неотёсанность и беспардонная прямота. Признавая талант Янки, мало кто пойдёт по её стопам. Разве что ещё одна самоубийца.
"Сначала художник рисует просто и плохо. Потом сложно и плохо. Потом сложно и хорошо. И только потом просто и хорошо." Это высказывание известного художника Ильи Репина можно применить к любому роду искусства.
Это не значит, что крупные формы произведений хуже простых форм. У настоящего художника поиск практически никогда не прекращается, и в процессе кропотливого творчества будет расти объёмность произведений. Масштабная работа может быть как незавершённый поиск, длительная импровизация - такое оценят немногие. А может быть вполне завершённой. Ещё лучше, если в большой работе завершены все частности и самоценны независимо от целого.
Если художественный образ можно понять без пояснения, то это удачное решение. Если автор произведений умеет добиваться ясности в непростых вещах, это говорит о его высоком уровне, о понимании цели, зачем он живёт в искусстве. Конечно, всякому слушателю он никогда не угодит, и для постижения той предельной ясности, которой добивался автор, кому-то тоже предстоит пройти подготовительный путь. Но загоревшийся маяк, терзающая загадка станет бередить умы с этого момента. "Что-то в этом есть," - скажут те, кого удалось зацепить.
Это подобно школьным задачам по математике. Перед вами огромная математическая дробь. Ваша задача путём арифметический действий её сократить. И так сокращается в несколько раз и даже сводится к простому числу большая конструкция - превращается в ноль или единицу.
Мне становится понятна у многих музыкантов тяга к джазу. Высокий уровень часто ассоциируется со сложностью. Порой такая музыка больше напоминает музыкальные упражнения. Кажется, что вся эта сложность ненужная, сотрясение звуковых волн, которые не достают до духовной сути, хотя и звучат гармонично в целом.
В истории развития джазового направления "бибоп" в Америке чернокожими музыкантами движущим мотивом было создавать такую музыку, чтобы они (белые руководители оркестров) её сыграть не смогли. В этом смысле это была протестная музыка против форматности и застоя и шагнула в ногу с научно-техническим прогрессом. Но коснулось прежде всего формы музыки. В погоне за сложностью другая цель и не ставилась. Большинство известных музыкантов-новаторов из того направления кончили безвременно и плохо. Алкоголь, наркотики... Почти как в среде рок-музыкантов.
Можно насочинять много невоспроизводимой лабуды, но это не спасает от душевных проблем. Когда музыка становится спасательным кругом, то всё в ней решает содержание. Содержание всей жизни автора, которое он передаёт через музыку. А какая бы ни была сложная музыка, но если она легкомысленна и бессодержательна (но прежде всего беспринципна и бездуховна), она не поможет никому, не будет иметь продолжения в чьём-то сердце.
Отдельно надо сказать про музыку, в основе которой лежит импровизация. Находкой в импровизации можно считать некий общий стиль, манеру, создаваемую ауру. Можно сказать, что джаз и индийская ситарная музыка (хотя они рядом не стояли) построены на импровизации. Но аура у этих направлений совершенно разная. Джаз тяготеет к усложнению основной темы, не считая импровизационного развития. В индийской ситарной музыке тема сведена до предельного минимума - опора на всего одну тонику. Но во всей индийской музыке заложен громадный культурный фундамент, чего не сказать про джаз, изобретение нового времени. Самый известный ситарист-виртуоз Рави Шанкар прожил долгую плодотворную жизнь и даже стал учителем одного из “битлов”, Джорджа Харрисона.
